Cynthia Capriata | EDUCACCIÓN
No sculpture ever dethrones another. A sculpture is not an object, it is an interrogation, a question, an answer…
Alberto Giacometti, Arts, October 1957
El arte siempre nos da las herramientas para seguir pensando
Lo significativo de la experiencia artística y estética es que tiene el potencial de transformar a las personas. El arte a veces deslumbra, nos lleva a los límites de lo que creíamos posible imaginar. Otras veces ordena, brinda coherencia y nos propone posibilidades creativas. En la educación artística desciframos las intenciones de los creadores y los contextos de las obras, así como tratamos de entender la influencia de nuestros propios contextos. ¿Qué sentimos? ¿Qué relación tiene eso que percibimos y exploramos con nosotros, con nuestro entorno? ¿Desde qué perspectiva interactuamos con las obras o las experiencias artísticas y culturales?
La visión creativa de los artistas a través de cada persona
Este artículo es etnográfico y me involucra de manera personal y directa con el objeto de la investigación propuesta al ser yo también artista y arte educadora. Al mismo tiempo, lo hace con el público objetivo de mis indagaciones, los docentes de arte. Estoy tratando de modelar para ellos la manera natural en la que pueden apropiar, adaptar y comunicar, desde su perspectiva, el aprendizaje de arte.
En mi entorno creativo, Josef Albers y Giorgio Morandi son considerados artistas de artistas. Encontrarlos en una misma exposición fue totalmente emotivo. Cuando visité la galería David Zwirner en Nueva York hace algunos meses, sentí una reverencia casi espiritual al caminar por la exposición Never Finished o Sin Terminar. El título alude a las innumerables conexiones que se pueden explorar entre ambos artistas. Fue muy interesante poder comparar las afinidades y los contrastes visuales de las obras colgadas de manera intercalada.
Ambos artistas restringen los elementos que utilizan para elaborar sus propuestas. De esta manera, enfocan casi obsesivamente en lo que están investigando: Albers se limita al uso del cuadrado para explorar estudios cromáticos. Hizo decenas sino cientos de cuadros aparentemente iguales, excepto por las variaciones de tono y color. Morandi pinta exclusivamente bodegones de paleta reducida y dibujo cuidadoso. Construye el borde de los objetos meticulosamente. Más que delinear los objetos, Morandi define su visión creativa a partir de la relación entre el color, el espacio y la textura de los objetos dispuestos sobre una superficie. Alberto Giacometti hace lo mismo. En la cita al comienzo del artículo describe que para él la escultura transciende el espacio físico y pasa a ser una manera de pensar.
Esa visión creativa es lo que distingue a un artista de otro. Cada uno le da un uso particular a los elementos de los lenguajes del arte. Es una característica propia de los creadores. Lo mismo ocurre en la respuesta estética. Para establecer una relación activa entre el sí mismo, nuestro mundo interior y el mundo que nos rodea, lo esencial es incluir nuestro punto de vista. Así hacen los artistas. Suena simple y sin embargo nos hemos acostumbrado a fórmulas que nos alejan de las conexiones poderosas que se establecen entre las obras de arte y las personas que las perciben. Me refiero, por ejemplo, a una relación de jerarquía y poder al presentarse solo una manera en particular de interpretar y analizar las experiencias artísticas y culturales.
En el contexto de la escuela estamos hablando de ignorar la perspectiva de los estudiantes. Lo que se busca es que ellos puedan imaginar otros entornos a través de sus experiencias con el arte. Para ello es imperativo que todo docente de arte se enfoque en la persona, no solo en la actividad.
El docente creativo
El docente creativo crea las condiciones para estimular la creatividad en sus estudiantes y un sentido crítico en sus interacciones con el mundo. Es hábil manteniendo una relación fluida entre la disposición creativa e imaginativa de los estudiantes, su entorno y su mundo interior. Los guía a interpretar diferentes modos de conocer y pensar. Sabe despertar su curiosidad en la acción educativa y se involucra con sus estudiantes en las ideas de otros creadores. En conjunto construyen experiencias significativas. Al mismo tiempo, también sabe ser realista y cauteloso. Evalúa cuándo celebrar y cuándo restringir elogios o información para fomentar indagaciones más profundas. Maximiza las oportunidades que brindan los sentidos para explorar posibilidades, promover conexiones y utilizar el impulso intuitivo de sus estudiantes para resolver problemas creativos. Cómo pueden ver el currículo de arte cobra vitalidad a través del docente creativo.
Por otro lado, es importante remarcar a modo de alerta, que los docentes de arte deben esforzarse por mantener la educación artística en las escuelas con el mismo nivel de entrega, rigor y complejidad que los otros aprendizaje. No bajar la guardia. El Currículo Nacional llama al trabajo interdisciplinario y multicultural. El aporte desde las artes y las posibilidades en relación a otros aprendizajes son inmensas. La naturaleza creativa es multidimensional. Propiamente guiados por un facilitador sensible y desde el enfoque de las artes, los estudiantes tienen el potencial de crear cultura en tiempo real: de reinventar, repensar y replantear sus creencias, tradiciones y propuestas creativas a través de sus perspectivas, y de hacerlo desarrollando, al mismo tiempo, competencias de fuera del área en un balance equitativo. No ser el bombón que le da la buena pinta al proyecto. Realmente utilizar las indagaciones desde las artes para crear conexiones no antes imaginadas y diferentes modos de pensar.
El objetivo es que los estudiantes logren un mejor entendimiento de quienes son en el mundo a partir de su creatividad y sentido crítico. Estos intercambios en procesos interculturales enriquecen la formación de su propia identidad.
¿Cómo acercamos el currículo a nuestra práctica educativa?
Nuevamente, otra magnífica exposición que contrapone el poder evocativo de lo sublime en el trabajo de dos artistas bastante disímiles visualmente, no en su espíritu creativo. Incluso la exposición se llamó Sublime y tuvo lugar en la Galería Mnuchin en Nueva York en el 2020.
Una manera de humanizar el currículo es definiendo nuestra práctica artística y educativa. ¡A priorizar lo que consideramos fundamental! Así como los artistas y los estudiantes desarrollan sus intenciones creativas personalizándolas, los docentes de arte también tienen que desarrollar una filosofía educativa que explique su enfoque pedagógico. Lo que corresponde es conocer cuáles son sus prioridades y saber qué le da significado y propósito a su práctica. Por ejemplo, ¿conocen qué tipo de docente son? ¿Porqué enseñan? Específicamente, ¿porqué son docentes de arte? Estas reflexiones también son útiles para adaptar el currículo a su contexto, evaluar posibilidades, hacer investigaciones más en fino y preparar lecciones apropiadas, y con una graduación adecuada. Como diría Elliot Eisner, el currículo organiza y estructura “las consecuencias educativas”.
Releyendo a Ted Tetsuo Aoki, (1919-2012) canadiense especialista en teoría curricular, volví a sentir la misma urgencia: el currículo empieza con los docentes. Aoki considera que debe ser parte de la experiencia vivida de todo docente. Cada uno aplicará el desarrollo de las competencias y la sinergia de los lenguajes del arte desde su propia agencia. La educación artística en el contexto de la escuela se encuentra en la intersección del Arte y la Educación. Debido a ello, es imperativo adaptar las propuestas pedagógicas al desarrollo evolutivo de los estudiantes y a su experiencia con los lenguajes de arte.
Las competencias del aprendizaje de Arte y Cultura viven a través de la coherencia que ustedes puedan desarrollar entre lo que conocen, piensan y hacen en una situación pedagógica. Estas acciones informadas por su experiencia con los estudiantes determinan la manera más apropiada de diseñar aprendizajes significativos. Finalmente, las competencias Crea proyectos desde los lenguajes artísticos y Aprecia de manera crítica manifestaciones artístico-culturales son procesos complejos que involucran diversas capacidades que se alimentan unas de otras. El docente de arte se va a distinguir a partir de su creatividad e inventiva en el diseño de aprendizajes auténticos.
El docente de arte se encuentra en una situación similar
Les voy a contar una anécdota personal. Después de la muerte de mi mamá el año pasado y en medio de la peor crisis de la pandemia en Nueva York, tuve una notica grata. Descubrí que era pariente de una sufragista, una de las más grandes reformadoras sociales de Estados Unidos. Su nombre es Elizabeth Cady Stanton (1815-1902). Nació y murió en el Estado de Nueva York. El nombre que nos une es Cady. Ella fue la tía abuela de mi abuelo materno, Curley Hoffpauir Cady. Ambos fueron abogados. Sorprende que siendo una mujer “de su casa” y conservadora, ECS desafió el establishment. A partir de ahora, ella también desafía mi propia historia. La pongo de modelo porque su ejemplo me da agencia.
Sus ideas progresistas reivindican no solo el voto femenino. Su lucha involucraba la exclusión de la mujer de la sociedad como ciudadana en la totalidad de sus funciones. Ciudadana con derechos sobre su cuerpo que incluía el control a la natalidad, con derechos parentales en relación a sus hijos y de custodia, con derechos al divorcio y a la salud de la familia, con derechos a la propiedad, con derechos laborales y por mejores salarios, entre otros. Su convicción y perseverancia no se erosionaron. Al contrario, fueron creciendo con la ayuda de otras personas de ideas afines. (Wikipedia)
Lo que nos lleva a la conexión con los docentes y su discurso The Solitude of the self o La Soledad del sí mismo. Leyó este discurso en el Congreso y en una organización de mujeres antes de retirarse de la vida pública a los 76 años. ECS propone la idea de la importancia de la soledad y su relación con uno mismo. La idea central es que nadie puede vivir la vida por uno. En determinadas circunstancias que son propias, hay decisiones que cada uno tiene que tomar por sí mismo en la soledad de su ser.
¿Les suena familiar? Me parece que todo docente y especialmente, todo docente de arte que ha estado auto instruyéndose, se puede identificar con la necesidad de relacionarse con uno mismo. Y también debido a la indiferencia de otros aprendizajes y/o a la administración de la escuela, a tomar decisiones por sí mismo. Estos conceptos son afines a las prácticas artísticas y educativas de muchos docentes de arte.
Para concluir, ¿Cuál es la recompensa?
Llegó el momento de ver sus prácticas artísticas y educativas como un laboratorio de ideas y acciones creativas. Tienen que sentirse motivados a arriesgar, a explorar y a imaginar nuevas posibilidades. Su creatividad tiene un impacto directo en los estudiantes.
Ya sabemos que ellos se benefician de las maneras de aprender a través de las artes cuando: activan sus sentidos y construyen el aprendizaje de manera orgánica. Desarrollan habilidades para expresarse efectivamente través de los lenguajes del arte. Conocen sobre el impacto que tienen las artes en diferentes culturas y sociedades y en la vida cotidiana de la gente. Participan de los conocimientos acumulados de las artes en la existencia humana en las creencias y principios estéticos de diferentes culturas y sociedades. Establecen conexiones artísticas significativas y desarrollan narrativas personales. Transmiten y reconstruyen saberes, valores y procesos culturales desde diferentes perspectivas. lo regional y lo nacional, y lo nacional y lo global. Y fortalecen los vínculos con su comunidad y los vínculos culturales entre el presente y el pasado, lo regional y lo nacional, y lo nacional y lo global.
Las lecciones bien planificadas que promuevan cualquiera de los puntos arriba mencionados, mejor si varios a la vez, les permiten a los estudiantes crear cultura desde sus perspectivas en tiempo real. Esa es la gran recompensa.
Lima, 12 de julio de 2021
